2009: constataciones (I)

 

Hace justo un año lanzábamos una triple pregunta retórica a los cuatro vientos del panorama comiquero: "¿de verdad el mercado español da para tanto? ¿Podemos los lectores afines "sobrevivir" a la avalancha mensual de novedades? ¿Es honesto augurarle una vida eterna a las tirada de 500 ejemplares?". Paradojas de lo retórico, casi concluido el 2009 empezamos a ver, no la luz, sino la niebla que se asienta sobre la duda.

El 2009 ha sido un año complicado en términos editoriales: se huele en todos los sectores y recovecos del negocio. El número de material publicado se ha reducido de forma evidentísima (¿quizás menos de un 50 % de novedades?); algunas editoriales han sobrevivido en un semi-barbecho prolongado de álbums y series menores esparcidas con una triste cadencia mensual; otras no han tenido más remedio que lanzar salvavidas en forma de comunicados y saldos desesperados; a otras, directamente, las ha venido Dios a ver, cargado de provisión.

Si nos quejábamos hace un año de que el aumento de estima, interés y ¿lectores? había discurrido parejo a una subida de precios (amparada en un también evidente aumento de las ediciones de lujo y el formato de novela gráfica con pastas duras), este curso no queda sino asumir que la trasformación del cómic en un producto de semi-lujo es un hecho. El asunto tiene que ver, sin duda, con la consolidación de un nicho de lectores adultos de clase media o media-alta; las consecuencias nos dirigen hacia un agotamiento o pérdida progresiva de pujanza de formatos como el cómic-book, el tomo de grapas y, si se me descuidan, el cartone o el álbum. El sinsentido de esta tendencia (los flujos de la moda no tienen por qué guiarse según las reglas del sentido común) reside en lo que vamos a denominar una "sobreedición" de materiales no necesariamente dignos o merecedores de tal esfuerzo. ¿De verdad todos los cómics que estamos viendo publicados últimamente merecen el sobrepago que implican las pastas duras, el papel de un gramo, el tamaño gigante y otras delicatessens editoriales? Lo entendemos en el caso de "asuntos divinos" como los que mencionábamos unas líneas más arriba, pero se nos aparece como un falso recubrimiento dorado en la mayoría de los casos, un artificio destinado a dotar de solemnidad artística lo que, en muchos casos, no deja de ser simple producto de entretenimiento. Suena a excusa editorial destinada a la captación de un público concreto. Tenemos la sensación, no obstante, de que ni las estanterías ni los bosillos tienen un fondo infinito. Las editoriales deberán comenzar a racionar y racionalizar su catálogo y a ajustarse a las exigencias del producto: ni tan siquiera el 100% de las obras de un genio son geniales, ni se pueden "colar" como tales.

Estamos simplificando, sin duda, y centrándonos casi únicamente en el cómic dirigido al público adulto. Esta es una hidra de 100 cabezas. No hemos mencionado hasta ahora a los libreos (otros de los perdedores de la crisis), ni a los dibujantes, ni a las distribuidoras, ni hemos mencionado lo difícil que resulta obtener beneficios de la edición en un país en el que la tirada media no pasa de 1000 ejemplares o en el que el 25% de los beneficios del mercado se deben a las ediciones y reediciones de clásicos, como Mortadelo y Filemón (como nos señalaba el carcelero recientemente). Como sucede con el parchís, todo el mundo tiene una opinión respecto a la edición de cómics en nuestro país: aunque no coincida exactamente con todo lo que acabamos de señalar, resultó esclarecedor el punto de vista que nos regaló Jorge Luis Córdoba (director de publicaciones de Panini España) en mitad de la canícula agosteña.

Hay señales también para la media sonrisa y la esperanza, por supuesto. Es esperanzadora la aparición de nuevos barcos en la niebla o constatar que algunas pequeñas embarcaciones (embarcaciones para pequeños) siguen surcando las arriesgadas aguas de su propuesta viento en popa.

También nos anima el cuerpo (no sólo por lo que nos toca) observar como en los últimos tiempos el cómic, en sus múltiples fases de normalización) parece que está empezando a meter la cabeza en camarotes tradicionalmente reservados a la academia y a consolidar las merecidas atenciones recibidas de los poderosos mecenas del poder. Bien por la doble apuesta.

Y pese a estos coyunturales achaques editoriales (que, ya saben, no sólo afectan a la edición de cómics), las páginas han seguido pasando durante todo el 2009 y, además, han demostrado una salud artística envidiable. Si nos dejan y nos prestan su atención durante unas dos o tres sesiones más, se lo contamos estos días de nieve y turrón. Felices fiestas.

Jornadas levantinas, cómics a la academia.

Este fin de semana hemos estado visitando esa tierra fertil de cálidos aires levantinos y socarrat imbatible que es Valencia. Todo cierto menos lo de la calidez del aire, hacía un frío interesante. Muy cálida, sin embargo, fue la acogida que nos dispensarón el carcelero, Adela y Dani a todos los invitados. Tenía el asunto que ver con la bien llamada normalización del cómic y su asentamiento como materia de estudio académico. Y es que los días 17 y 18 de diciembre, en la Facultad de Filología, Traducción y Comunicación, se han celebrado las 1as Jornadas de Narrativa Gráfica de Valencia; un interesante empujón al estudio científico del cómic en nuestro país.

Nosotros no pudimos llegar hasta el jueves por la noche, así que nos perdimos la sesión de ese día, que debió de ser la mar de interesante; entre los invitados, la crème de la crème: Jesús Jiménes Varea, un tipo simpatiquísimo y un estudioso entusiasta de las viñetas (ojalá algún día su tesis sobre Alan Moore vea la luz) habló del género de superhéroes; Lucía Miranda, joven investigadora de comiqueros afanes arquitectónicos, se dedicó a la autorrepresentación en la novela gráfica; el catedrático francés Gilles Menegaldo, experto en cine y afabilidad, diseccionó el Sin City; mientras que Antonio Altarriba, haciendo una pausa alimentada de sabiduría académica en ese cada vez más evidente camino hacia el éxito que le espera a El arte de volar, habló de la fisionomonía de la historieta. Se cerró el día con una mesa redonda de las que da rabia perderse: Antonio Guiral, Antonio Martín y Álvaro Pons negociando el tema de la edición de clásicos.

Tras lamernos las heridas de la ausencia, nos apuntamos directamente a la sesión del viernes. Abrimos la sesión con una charla acerca de la metahistorieta y el metacómic, con la que dormimos parcialmente al amable público que se presentó en la sala de conferencias; nos pasamos de hora, pero, afortunadamente, pudimos cobijarnos en la paciencia y el interés de los asistentes. Acto seguido, Juan Manuel Díez de Guereñu, nos ilustró la mañana con una interesantísima presentación de un género comicográfico que parece proliferar en los últimos tiempos: el de los cuadernos de viaje. Cerró la sesión matutina un hombre sabio y nombre eminente en esto de la investigación sobre cómics, don Antonio Martín, que nos habló de algo que domina a la perfección, los orígenes de la historieta en España. Por la tarde, un debate que de puro interesante se estiró hasta mucho más allá de la hora programada: "Posibilidades de investigación académica en la historieta".

En el fondo, el encuentro fue una excusa perfecta para conocer a gente interesante, planificar futuros proyectos (alguno de los cuales, nos parece, puede traer cola, y pasar unas buenas horas con gentes del cómic, hablando de cómics). La asistencia a las sesiones no fue masiva, una pena, pero los que estuvimos sacamos mucho en claro. Nunca se deja de aprender (hasta de lo que no se sabe). A ver si el acontecimiento se repite. Por ahora, hasta que se publiquen las actas de las ponencias, nos quedaremos con el buen recuerdo de lo que vimos y oímos. Por todo,  gracias Álvaro, Dani y Adela. Ha sido un placer.

Les dejamos con algunas fotitos y el adelanto de que, en unos días, nos lanzaremos a repasar lo que ha sido este casi ya caduco 2009. Nos vemos. Felices días.

La mesa de sabios

Antonio Martín y Álvaro Pons. Eruditos.

Más de las Jornadas, aquí.

Exposauna 2009: ramen et circensis.

Incluso con un año de barbecho entre medias, repetimos sensaciones en este Expocómic 2009: seguimos pensando que su ubicación en el Pabellón de Convenciones de la Casa de Campo es del todo inadecuada (por su insuficiente capacidad, por la incomodidad de sus espacios, por su falta de medios...) y no nos creemos que en la capital del reino no exista otro recinto más preparado para un evento que, en algunos momentos, ha convertido el interior del pabellón en una suerte de Loisiana preparándose para el Katrina.

La masa

Para arreglar un poco las cosas, el sábado (día de nuestra visita), el recinto, transformado en salón crematorio, decidió luchar contra la evidencia invernal y demostrar a los visitantes que, hasta en los días más gélidos, las glándulas sudoríparas están ahí haciendo su trabajo. Si esa tarde de diciembre en el interior del salón no estábamos a treintaymuchos grados centígrados, tenemos el termómetro recalentado. El espectáculo bien valía la visita: impagable la imagen de Barry Kitson intentando que las gotas de sudor no salpicaran sus originales; o esas hordas de falsos zombies con unas llagas más realistas y supurantes que nunca, por obra y gracias de la sudoración abundante que garantizan unos cuantos quilos de maquillaje; tampoco era un asunto baladí observar los esfuerzos de los comensales de ramen para que sus grandes vasos no sirvieran de recipiente a fluidos ajenos (por aquello del rebose). Una friqui-selva tropical en medio de Madrid.

Otra de las sensaciones que no nos abandona (y ahora ya no hablamos de axilas) es la de que, en el fondo, en los Expocómics el cómic es lo de menos: podría llamarse Exporramen o Expopachinko y prácticamente no cambiaría nada; si me apuran, ni siquiera los asistentes. Al Expocómic los visitantes (menores de edad en su mayoría) no van a comprar cómics o a enterarse de las novedades, ni siquiera a pedirle un dibujito a su autor favorito, no, a Expocómic uno va a hacerse fotos con los ninjas, songokus, narutos y demás colegialas hentai convenientemente disfrazadas; se va a echarse unas risas con las luchas escenificadas, a comprar chuches y a comer ramen (again) y si quedan unos euros, a algún stand donde vendan figuritas o espadas, a ver si se puede completar el atrezzo. ¿Cómics? Estar, están, por ahí, en los stand, enmarcando lo verdaderamente importante.

Sí, ya sabemos que la parafernalia de los fans disfrazados es inherente a cualquier salón de cómics que se precie. Hablamos únicamente de grados y presencia, no se crean. En realidad había cómics, cómo iba a ser de otra manera. Que se lo digan a los chicos de Ponent Mon, que dieron una de las campanadas del evento al ofrecer de saldo casi todas las obras que publicaron en 2007: elegías rojas a 3 euritos, voluptuosidades a 4, trondheims y de crecys variados a 4 y 5, etc. Una bicoca si no te los habías comprado ya a los precios correspondientes. ¿Cuánto tendrá que ver este asunto con aquel otro?

Los imPonentes impotentes saldos

Dicho lo cual, la nómina de autores de Expocómic era lustrosa y entre ellos había "imprescindibles" como el mismo Trondheim, don Carlos Giménez, Jordi Bernet, Daniel Torres, Adolfo Usero o Rubén Pellejero; aparecieron por allí, además, muchas de las nuevas estrellas del cómic (superheroico o no) actual: David Aja, Tim Sale, José Luis Ágreda, Pasqual Ferry, Carlos Vermut, Mark Buckingham... No era fácil hacerse con una rúbrica, debido a la gigantesca demanda con cita previa, pero siempre es enternecedor ver a artistas a los que admiras fogueándose con el fan.

Daniel Torres, un modernista con futuro

Carlos Giménez, pionero y elegante

También tenemos que destacar, como hicimos en su día, el interesante sistema de venta de originales, localizados todos en el punto central de esa planta superior que circundaba la sala y, en algunos casos, con unos precios la mar de golosos: no pudimos evitar hacernos con una estupenda página de Barry Kitson de Invasión Secreta: los 4 Fantásticos. El norteamericano, jovial y charlador, "regalaba" algunas de sus espectaculares planchas por poco más de 30 euritos. Justo al lado, en los muros colindantes, tuvimos que detenernos hipnotizados ante los impresionantes originales de Crisse y su Atalanta, barrocos, exuberantes y llenos de talento; sólo superados, quizás, por los impresionantes lápices de Rubén Pellejero, uno de los dibujantes que mejor ojo tiene a la hora de agenciarse guionistas y con más capacidad para dotar de poesía visual (magnífico colorista) sus historias.

Kitson, simpático y solícito

Ya ven, con todo lo que sudamos, mereció la pena la visita y, pese a todas las buenas intenciones (en los términos actuales de crisis económica) volvimos otra vez con un saco de lecturas que amenazan con derrumbar la torre que se erige en nuestra mesilla. Salones, para que os quiero.

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Hablando de eventos, si no tienen ustedes otra cosa mejor que hacer y andan cerca de Valencia, el viernes por la mañana les veo en este otro (si las autoridades lo permiten y la nieve no lo impide).

Nos vemos en Expocómic.

A ver, que se acaba la semana y al final se nos va a pasar la cosa de la promoción y el encuentro comiquero. Nos confirman en la editorial que este sábado 12 de diciembre, a eso de las 18:00, habremos de permanecer un ratito sentados en el stand bizantino de Expocómic 2009, saludando, charlando y dedicando Arquitecturas de las viñetas a aquellos de ustedes que tengan a bien hacernos una visita.

Además, lo haremos junto a buenos amigos, que las esperas si son en buena compañía siempre son más gratas. El cuadrante de firmas que nos han enviado se ve así:

Compartiendo stand con Aleta Ediciones, el horario de firmas de Viaje a Bizancio Ediciones para Expocómic 2009 es el siguiente:

- Jordi Bayarri estará firmando todos los días del evento por la mañana y por la tarde y presentamos su nueva novedad de Entre Tinieblas Nº 06: Mi Esposa, Mi Vampiro.

- Gaspar Naranjo firmará a las 18:00 horas del sábado día 12 de diciembre su cómic De cómo te conocí, te amé y te odié. No te pierdas sus acuarelas descacharrantes, dulces y delicadas.

- Rubén Varillas firmará a las 18:00 horas del sábado día 12 de diciembre su libro sobre la narratividad y teoría del cómic La Arquitectura de las Viñetas. Si quieres una dedicatoria y un dibujo de Gaspar Naranjo (la portada del libro es suya), y charlar un poco con él de temas humanos y suprahumanos, allí estará él.

Lo dicho, si ustedes quieren, nos vemos por los madriles. Llevaremos un clavel en la solapa para hacernos reconocibles entre tanta estrella de las viñetas. Prometemos fotos e impresiones a la vuelta.

Mi vida mal dibujada, de Gipi. Esbozos para una vida perra.

Una de las muchas cosas buenas de Gipi es que además de ser un dibujante excepcional, colorista superdotado, además, es un gran escritor y, sobre todo, ha conseguido hacer de estas dos virtudes un lenguaje único, reconocible, complejo. El cómic no es palabra o dibujo, es la suma de ambos en fórmula indisoluble, en solución indisociable; hablamos, por supuesto, de los grandes cómics. Un gran cómic “respira” de forma diferente a un gran cuadro o una gran novela, porque lo hace gracias a unos pulmones doblemente articulados, por la letra y por la imagen transformados en un único órgano. Cuando leemos un gran cómic, muchas veces pensamos, esto no se podría haber expresado de otro modo. Le pasaba a McCay, a Eisner, seguramente a Crumb, a Ware y le pasa a Gipi.

Por eso, ni cuando el autor dibuja deliberadamente “mal”, ni entonces se matiza su talento, porque hasta el esbozo es significativo en Gipi y hasta la imagen garabateada comunica unas intenciones narrativas concretas cuyo alcance variaría si ésta estuviera dibujada de forma diferente. Sucede con Mi vida mal dibujada, la última obra de Gipi publicada en España, por Sins Entido.

Gipi recurre a un trazo poco limpio (el suyo nunca lo es del todo), semi-esbozado, más irregular y abocetado que de costumbre, aunque manteniendo su estilo e línea finísima y delicada (parecen sus dibujos trabajos de macramé, frágiles composiciones de hilo). No es una elección gratuita. Este cómic, en la línea de la autoconsciencia biográfica que abriera Crumb hace más de cuatro décadas, es un relato autoconfesional: Gipi nos abre su biografía para mostrarnos sus entrañas, casi literalmente. En Mi vida mal dibujada el autor nos revela algunos de los episodios más sórdidos de su existencia (su relación con olas drogas, con la ley, con la enfermedad, con el desamor y la pérdida, con la traición afectiva…) y lo hace siguiendo una ordenación aparentemente “aleatoria”, con un orden un tanto confuso, como el de los pensamientos y los recuerdos, en realidad. La organización narrativa del desorden suele traducirse en técnicas conocidas como analepsis (flashbacks, rememoraciones…) o prolepsis (anticipaciones, indicios…). En el libro del italiano los sucesos empiezan a cobrar sentido a medida que el Gipi personaje los recuerda y dota de vida: lo hace desde un falso “presente” diegético, desde el que (como haría Crumb) busca la complicidad de un lector que, no obstante, por momentos asiste desconcertado a la exhibición impúdica, torturada y nada autoindulgente de los horrores privados del protagonista.

El relato (como es habitual en el autor, pero con más claridad aún en esta historia de cronologías descabalgadas) se enriquece con multitud de detalles, metarrelatos y guiños autorreferenciales. Uno de los más brillantes lo protagoniza esa metahistoria de piratas en la que Gipi se dibuja como joven prisionero de un abordaje pirata, cuya salvación última dependerá de su habilidad para contar relatos de los que amansan a las fieras filibusteros. Una metáfora brillante que salpica de excitante aventura las tenebrosas revelaciones que se suceden en la vida real mal dibujada, la del resto del cómic: el Gipi real, el que estuvo a punto de sucumbir ante su propia biografía, le agradece la salvación, su exorcismo privado, al Gipi narrador, al cuentista. Por las rendijas de este metarrelato de piratas “respira” Mi vida mal dibujada un poco de ficción. Y todos sabemos que la ficción es siempre mucho más perfecta, más redonda, que la sucia realidad. Seguramente por eso los únicos episodios en el conjunto del relato que están “bien dibujados” son estos fragmentos de aventura pirata: sus páginas son las únicas que tienen color y sus líneas son las que más nos recuerdan al Gipi cuentista de otras obras magníficas, como Apuntes para una historia de guerra, S o, en menor medida, El local.

Gloriosa imperfección. Esta obra mal dibujada lo tenía que estar por fuerza (mal dibujada). Era necesario para reflejar de forma fidedigna (enorme paradoja) unos fragmentos de realidad tan poco pulcros como los que oscurecieron la infancia y la juventud de su autor. En una ecuación casi perfecta de esas que el medio nos regala ocasionalmente, Mi vida mal dibujada conjuga líneas y palabras en el ansiado todo narrativo comicográfico. Aunque la materia prima sea sucia, confusa y rugosa.

A fin de cuentas, la vida pocas veces se muestra pulcra y perfecta, para eso están las ficciones. Gipi lo sabe bien.

El sexo de Gaspar Naranjo. La entrevista.

Dos años después de su irrupción en el mercado del cómic español y con la primera edición de aquella su primera obra, De como te conocí, te amé y te odié, prácticamente agotada, Gaspar Naranjo (Valdepeñas, 1971) reaparece con otro trabajo: Sexo.

¿Trasgresión lúbrica o reflexión erótica? Se lo hemos preguntado al autor en una nueva entrevista que acompañamos con algunas imágenes exclusivas de su libreta ilustrada, cedidas amablemente por el autor y la editorial:

- Little Nemo's Kat: Sexo. No dejas mucho a la imaginación con el título de tu última obra...

- Gaspar Naranjo: Duda, es lo que no dejo. Imaginación, toda.

- ¿A qué te refieres? ¿Qué tenías en mente cuándo comenzaste con el proyecto? Porque está claro que Sexo no es un tebeo ortodoxo, ni en su base ni en su desarrollo.

- Si en De cómo te conocí... la búsqueda iba encaminada al desarrollo de estructuras y composiciones alternativas, SEXO nace con una idea bien distinta, algo más personal. Se trata de forzar mi propio lenguaje, de forzar la "candidez" de mi estilo, para ver si éste podía llegar a molestar, a golpear al lector, a pesar de su inocencia.

Está claro, que he fracasado... al menos en ese punto. Al poco de ponerme a dibujar SEXO me dí cuenta que me lo estaba pasando "pipa" y eso se transmite al lector el cual termina machacando todas mis horribles intenciones con una sonrisa.

- Es cierto que, además de ser muy divertido, tu cómic es todo un muestrario de sexo explícito. Se podría incluso leer como un catálogo de escenas sexuales, como una suerte de Kamasutra filtrado por los Hermanos Marx. Perdona la posible indiscrección de la pregunta pero, ¿hay algo de juego biográfico en Sexo o se trata simplemente de un ejercicio de abstracción cómica?

- Yo lo definiría como un "Slice of Life" en estado puro. Sé que es un tema manido pero mi vida es así.

- ¿Así de fogosa? ¿Y cuándo encuentras tiempo para dibujar?

- Después de la siesta. Sexo está hecho casi íntegramente después de la siesta. Trabajo de farmacéutico aunque consigo arañar algunas tardes para dibujar, que es otro tipo de droga. Fueron cuatro meses (con parones intermitentes) pertrechado con una libreta, un rotulador y unos Alpino, sacándole punto al tema. Y el caso es que al final pasó lo que jamás creí que fuera a pasar ¡no se me ocurrían más guarradas! Fue duro terminar la libreta.

- Me llama atención, precisamente, ese aire desenfadado del dibujo: el trazo irregular de los Alpino que mencionas, los tachones que habéis dejado en la edición final, la idea de trabajo abocetado que se subraya con la elección de una presentación con formato de la libreta... ¿Por qué decidiste pasar de un acabado mucho más mecánico como el de De como te conocí, te amé... a este estilo deliberadamente "imperfecto"?

- Como ya te he dicho, la idea base era un ejercicio de tensión del propio lenguaje, por eso opté por unos materiales casi escolares (una libreta y unos lápices de colores Alpino) como contraposición a algo tan adulto como es el sexo explícito.

El aire abocetado del cómic tiene varias razones. Una es seguir buscando esa tensión con un dibujo “casi torpe” frente a un producto adulto. Otra es intentar imprimir al libro algo personal que a su vez transmita naturalidad, como pasa cuando hablamos o disfrutamos del sexo en la intimidad. Una naturalidad que luego se pierde al exponerla en público.

Uno de los objetivos finales que tiene éste cómic es ese, que seamos capaces de hablar de sexo con normalidad, sin escandalizarnos o ruborizarnos; que la gente pueda enseñar el libro a quien quiera sin que nadie diga que es obsceno u ofensivo sino que reconozcan en él algo muy humano y por ende normal.

- Es interesante lo que comentas. ¿No temes entonces que ese contraste entre el estilo infantil y unos contenidos explícitos, muy adultos, pueda llegar a levantar sarpullidos o crear controversia entre los lectores de cómics, digamos, más "tradicionales"?

- Desgraciadamente a día de hoy el sexo se sigue considerando culturalmente como algo "sucio", "vergonzoso"... Yo personalmente no lo siento así, a mí lo que realmente me resulta obsceno es que hayamos asumido la violencia como algo natural, puedes ir al cine o poner la televisión a cualquier hora y encontrarte con esa violencia cara a cara . Me parece uno de los grandes contrasentidos de nuestra sociedad, que aceptemos toda esa violencia como algo natural y la sexualidad no.

No se trata de que esto sea un despiporre sino de que tratemos el sexo de una forma más natural, guardando nuestra intimidad (como en cualquier ámbito de la vida) pero asumiendo que forma parte importante de nuestro ser y nada de lo que avergonzarse. En ese sentido queda un largo camino educativo que recorrer.

Podríamos hablar de una "sexualidad bien entendida" pero una ¿"violencia bien entendida"?... Chirría algo más.

- Hablando de sexualidad bien entendida, en tu cómic se plantean muchos tipos de relaciones y puntos de vista además del masculino. ¿Podemos decir que en sus páginas la sexualidad se entiende como un factor de igualdad social?

- Cuando dibujo, lo hago siempre desde mi punto de vista masculino pero soy consciente de que eso es limitante y hace que me pierda muchas cosas; el universo femenino es algo que me encanta, tiene muchos más matices y colorido que el masculino por eso me gusta jugar con él y darle cierta presencia en mi trabajo.

Por otra parte, el cómic es un gran vehículo para la transmisión de ideas y en ocasiones, como ésta, trato de aprovechar ese recurso. Puesto que hablaba de sexo ¿qué mejor momento para romper una lanza a favor de la igualdad entre géneros? No es demasiado evidente pero si te fijas hay un "toma y daca" (nunca mejor dicho) bastante repartido entre los dos sexos.

Tampoco quería dejar fuera otras formas de entender las relaciones sexuales cómo es la homosexualidad en un intento de transmitir esa "naturalidad" de la que te vengo hablando pues, aunque estemos avanzando bastante en este tema, sigue siendo lo "diferente" en lugar de simple y llanamente "ser".

- ¿Qué opinión te merece la pornografía? ¿Es Sexo un cómic porno disfrazado de tebeo de humor?

- El porno es como tantas cosas en el sexo, mientras sea permitido y aceptado entre las partes implicadas y de mutuo acuerdo, bien. Si esa pornografía está basada en el abuso a de alguna de las partes, mal.

Y no, Sexo no es un cómic pornográfico. No hay en él ningún atisbo de erotismo o búsqueda de excitación de nadie, tan solo la idea de banalizar prejuicios frente a la sexualidad ¿o a ti te ha excitado...?

- Mucho, por supuesto. ¿De verdad no hay ninguna intención erótica detrás de tus planchas? ¿Significa eso que para trasmitir cierto erotismo haría falta ceñirse a un dibujo más realista o se trata, simplemente, de que “tu tipo de humor” no busca lo erótico?

- Suena a tópico pero nuestro principal órgano sexual y zona erógena es el cerebro, por lo tanto no creo que sea necesario un tipo de dibujo más realista para evocar ese erotismo. Se podría hacer con unos recursos muy simples (para muestra, un gemido) pero certeros. E insisto, el objetivo de este trabajo era más bien la provocación y tensión ante el lector, aunque al impregnarlo de humor, ha dado como resultado algo más cercano y natural. El erotismo lo dejamos para otra ocasión, quién sabe.

- Además de las obvias divergencias formales que ya hemos comentado, ¿hasta que punto son diferentes los protagonistas de De como te conocí, te amé... de los que habitan las páginas de Sexo?

- No hay ninguna diferencia. Así de sencillo.

- Algunas otras diferencias entre Sexo y tu obra anterior atienden a motivos mucho más pragmáticos. Has cambiado de editorial. ¿En qué se ha notado la mudanza de casa?

- Por el momento no he notado muchas diferencias, tanto Bizancio como De Ponent me han tratado genial durante el proceso de elaboración del cómic. Éste ha sido algo distinto en las dos casas pues con Bizancio hubo que hacer todo el trabajo muy rápido (en escasamente cinco semanas) y con De Ponent ya estaba hecho pero había que afinarlo, especialmente la edición, que en este cómic tiene tanto peso. Se trataba se trasladar lo más fielmente posible una pequeña libreta de bolsillo (algo muy personal), al mercado editorial, sin perder esa "personalidad". Mil gracias a la editorial y a la imprenta que han hecho eso posible.

- Una de las sorpresas de esta edición recae en la autoría del prólogo a cargo de Lorena Berdún. Nadie mejor que ella para abrir las páginas de Sexo.

- Sin duda alguna. Estaba buscando prologuista para este trabajo y unos amigos me empezaron a dar ideas, cuando salió el nombre de Lorena Berdún me di cuenta de que era perfecto pues ella es capaz de transmitir con seriedad esa naturalidad sobre la sexualidad que yo buscaba. Gracias a una de estas amigas pude ponerme en contacto con Lorena y ella aceptó el proyecto. Ha sido un encanto conmigo, un millón de gracias.

- Acabamos. Hemos disfrutado mucho con tu libro. Te deseamos un buen Sexo y una entrada caliente en las listas de ventas. ¿Quieres dedicarles algún comentario en forma de jugueteo preliminar a tus (seguro que numerosos) futuros lectores y lectoras?

- Eso precisamente, que se relajen y disfruten... Un saludo para todos y un beso con el carmin corrido para los más atrevidos.

Una cita con morbo...

Para ir calentando el fin de año, el día 1 de diciembre, en ésta, su pantalla amiga, hablaremos de...

The Reverse Graffiti Project: "ensuciando" con agua.

No es casual que lleguemos a Paul Curtis (alias Moose) y su proyecto Reverse Graffiti Project a través de nuestro buen amigo Pejac (¿les hemos dicho lo lustroso que luce su blog últimamente?). Cuestión de estencils: ya saben, esas plantillas (de acetato, como el de las radiografías, o similares) que se utilizan para dejar pulcrísimos grafitis en muros y demás mobiliario urbano; ironía callejera sofisticada y aparente (sic. Superman de la derecha).

El caso de Reverse Graffiti Project es insólito, por lo que tiene de paradoja más allá incluso de lo postmoderno: el burguesismo más inmovilista ha tenido a los artistas urbanos y grafiteros por vándalos, así en bloque y sin distinciones (que no negamos que los haya, como en todas las esferas); salvajes ensuciaparedes, destructores incívicos de la armonía ciudadana. Moose junto al documentalista Doug Pray decidieron el 14 de abril del 2008 darle un giro de 360 grados al prejuicio y toda su argumentación conservadora: recorrerían la ciudad de San Francisco (fuente de otras trasgresiones muy poco retóricas en épocas precedentes) y la inundarían de estencils a mayor gloria de la ética ciudadana y el ecologismo urbano. ¿Cómo? Limpiando sus muros con patrones artísticos. En vez de pintar sobre los muros con tinta o spray, utilizarían agua a presión sobre sus plantillas y estencils superpuestos sobre muros ennegrecidos por la polución, el humo y la mierda propia de los nucleos civilizados, para dejar en ellos sus armónicos diseños florales y críticas gráficas. Un ejercicio dibujístico lleno de humor, ironía y bastante ácido disparado a presión contra las incosecuentes conciencias mojigatas de las sociedades hiperdesarroladas (abajo tienen uno de los muchos vídeos ilustrando el proceso). Nos lo explica sucintamente el propio Moose:

I'm not the world's biggest environmentalist, but it's impossible not to tow the environmental line," Moose tells the camera. "The whole core of what I do is based around drawing in pollution and writing in nature. Nature's voice, if you like, is written in dirt like it would be written in blood.

Así,él y su equipo ilustraron las paredes de túneles, muros y demás joyas arquitectónicas como las que lucen orgullosas en todas nuestras ciudades. Sin embargo, la lectura más interesante de toda esta historia no tiene que ver con la ejecución del proyecto, sino con la reacción de los espectadores administrativos (burócratas del esperpento); lo describía muy bien Pejac en el correo que nos mandó en su día:

Este artista urbano, en vez de meter pintura sobre los muros, lo que hace es quitarles el hollín del humo de los coches...no solo limpia, además dibuja; se hace llamar Moose. Aunque a algunos de nosotros nos pueda parecer increíble, muchas de sus obras artísticas son sistemáticamente "limpiadas" por operarios, con la coña añadida de que solo limpian hasta donde Moose ha intervenido con sus dibujos; el resto del muro, que está negro de contaminación sedimentada, lo dejan tal cual. ¡Sólo limpian los dibujos! ¡Qué santas pelotas! El ser inhumano es la hostia.

Después del éxito, Moose y sus secuaces decidieron seguir "limpiando" paredes en latitudes más exóticas, se llevaron su proyecto a lugares como Eslovaquia. Seguro que allí las bienpensantes y concienciadas autoridades públicas se tomaron el asunto con mucho más humor y salero, al estilo eslavo.

El constructivismo deWare. Lecciones de Rodchenko y Popova.

Cada vez más, la figura de Chris Ware se eleva sobre sus coetáneos comiqueros como la de un mesías redivivo de la modernidad artística. Su talento es irrebatible, su ascendencia incuestionable y su aureola de dibujante "mítico" comienza, poco a poco, a adquirir cierto aire irrefutable: y eso que el tipo aún es joven y que no se le conoce, que nosotros sepamos, ningún achaque irreversible. Habrá que admitir que todo es una cuestión de arte o de eso que algunos llaman genio. Lo suscribimos, llevamos mucho tiempo montados en ese barco.

Con motivo de la publicación en nuestro país de su apabullante Catálogo de novedades ACME, se suceden las reseñas, las loas y alabanzas entusiastas. No es para menos. En paralelo, se escuchan y leen elucubraciones cada vez más interesantes acerca de la relevancia del señor Ware en el innegable apogeo actual del cómic y en su también innegable reivindicación como vehículo artístico. Ilustrativos al respecto son algunos de los muchos posts que Pepo Pérez le ha ido dedicado en los últimos tiempos al creador de Jimmy Corrigan. En uno de ellos, se señalaba recientemente la influencia de Ware no sólo en muchos artistas comicográficos actuales (no hay más que ojear el George Sprott de Seth, por citar un sólo ejemplo), sino incluso en artistas de otros campos vecinos como la ilustración (señala Pepo el ejemplo de Will Staehle y sus portadas para los libros de Michel Chabon).

Debe de ser que aún teníamos en mente el asunto, porque resulta que este fin de semana el bueno de Ware se nos a vuelto a aparecer, cual ángel de la revelación artística, cuando menos no lo esperábamos. Aun de genio, se le atribuyen al norteamericano influencias diversas: nosotros señalábamos hace tiempo a ilustradores de finales del XIX, como Walter Crane; es evidente su inspiración en el diseño publicitario de las revistas estadounidenses de los años 20-50 y, por supuesto, hay en Ware mucho de línea clara. Lo que nunca nos hubiéramos esperado es encontrarlo reflejado en la estupenda exposición que el Reina Sofía tiene programada hasta el 11 de enero: Rodchenko y Popova. Definiendo el constructivismo.

No queremos confundirles: estar, Ware no está, claro. Pero, que quieren que les digamos, resulta que hemos tenido que verlos a un palmo de nuestras narices para reconocer que muchos de los diseño utilitaristas de la segunda etapa del Constructivismo ruso recuerdan sobremanera a la estética de Ware: por su perfeccionismo, sus composiciones estrictamente geométricas, sus colores planos, etc. Es curioso: cuando las estrellas del constructivismo (me van a permitir el oxímoron), Popova y Rodchenko a la cabeza, deciden que la mejor forma de servir a la causa revolucionaria es poniendo su arte al servicio del pueblo, es decir invirtiendo sus esfuerzos en proyectos y aplicaciones pragmático-propagandísticas (el diseño de publicidad, portadas de películas y libros, cajetillas de tabaco, cartelismo, escenarios teatrales o prendas de vestir para los camaradas), el constructivismo pierde esa nota de abstracción geométrica que lo había caracterizado y emparentado con pintores como Kandisky. En esa fase de arte pragmático (a partir de las exposición "5x5=25", de 1921) encontramos diseños y tipografías que se han incorporado, en bastantes casos como una "caligrafía" pintoresca, al acerbo del diseño contemporáneo y la iconografía visual. Es precisamente en ese instante cuando los constructivistas más nos recuerdan al Ware "diseñador" o, a fuer de ser justos con la cronología, cuando más se reconoce a don Chris Ware en la obra de las hordas rojas revolucionarias.

Quién lo iba a decir. A lo peor, algunos pensarán, estamos forzando el paralelismo artístico, pero que quieren que les digamos: uno ve el cartel original de El acorazado Potemkin (obra de Rodchenko) y... Claro, que también puede ser que estemos abducidos por el fenómeno y veamos wares donde no los hay. Ahora bien, nos crean locos o no, no se pierdan la exposición del Reina Sofía, porque esa sí que es de las que te hacen perder la cabeza.

Endurance, de Luis Bustos. Los límites de la aventura.

Es curioso, muchos de nosotros crecimos a la luz de las viñetas de aquellas Famosas Novelas, que anteriormente habían sido Joyas Literarias Juveniles y que, algunos años antes, se habían visto anticipadas por esa hibridación interdiscursiva despreocupada que fue Historias Selección. Las dos primeras colecciones adaptaban al cómic aventuras de clásicos de la literatura, como Verne, Stevenson, Defoe o Twain, mientras que en Historias Selección (la pionera de todas ellas) se combinaban versiones poco rigurosas de los clásicos con páginas de viñetas que adaptaban escenas de la obra, cada ciertas páginas. De niños cada vez que íbamos a casa de la abuela, nos parapetábamos con avidez junto al armario librería para disfrutar de tamaño tesoro; reconocemos que, casi siempre, las viñetas terminaban por captar nuestra atención y terminábamos por olvidarnos de un texto al que sólo volveríamos años después. Famosas Novelas mejoró sustancialmente el ingrediente comiquero y sus páginas adaptativas llegaron a alumbrar a artistas como Víctor Mora, Jesús Blasco o Fuentes Man. Así, poco a poco aprendimos a adorar a Emilio Salgari y sus tigres de Bengala o a Jack London con sus aventuras nevadas en la Norte América de los pioneros.

Lo curioso, decíamos, es que después de tantos años de aventuras adaptadas, ficticias en su mayor parte, lejanamente históricas algunas de ellas (Marco Polo, Lawrence de Arabia...), en la actualidad el cómic se haya olvidado practicamente del género. Imbuido en su proceso de maduración y de adquisición de personalidad artística, pareciera como si el tebeo, al igual que les pasa a muchos adolescentes, últimamente sólo supiera hablar de sus autores, de sí mismo y de los ombligos de ambos (perdón, de sus globos). ¿Dónde quedan los exploradores, los pioneros, los arqueólogos, los grandes capitanes...?

Afortunadamente, Luis Bustos ha decidido que estos tiempos no son tan malos para la épica: Endurance es el tesoro que ha desenterrado de la isla de las grandes gestas. En su entrevista para Guía del Cómic, confiesa donde encontró el mapa de su inspiración:

Hace algo más de un año el Museo marítimo de Barcelona programó una exposición relatando la aventura de Shackleton y su tripulación a través de las fotografías de Frank Hurley, fotógrafo de la exposición. Sus imágenes tenían tanta fuerza y el relato era tan fascinante que, cuando Planeta me pidió que les presentase un proyecto, tuve claro que era la historia que quería contar.

Endurance relata la "legendaria expedición a la Antártida de Ernest Shackleton", uno de esos personajes cincelados en el mármol de la leyenda que sólo parecían posibles en las geografías de hace cien años. Cuando los límites del mundo conocido ya estaban anclados, pero los territorios inhóspitos y las tierras agrestes aún existían, la tierra estaba habitada por idealistas y exploradores de lo insondable dispuestos a llegar a aquellos puntos del globo donde nadie hubiera pisado, escalado o buceado antes. Shackleton vio en la Antártida el límite de sí mismo. Su lucha, muchas veces, no sólo se entendía como factor de superación personal o como un reto contra los elementos, sino como un desafío social (cuánto más en momentos prebélicos como el que nos ocupa) en una época de positivismos científicos, instituciones conservadoras y demandas sociales incipientes. En este sentido, es interesante el diálogo que mantienen O'Donnell, el gacetillero escéptico del Daily Chronicle, y el propio Shackleton, casi al comienzo del libro:

- Por favor, no me malinterprete, señor, pero vivimos tiempos en los que el "heroísmo" no consiste en surcar los mares buscando tesoros y renombre...

- Ja, ja... le entiendo. Cree que las personas como yo... somos anacrónicos.

- Lo que yo piense no importa. El Chronicle me ha pedido que cubra su noticia y lo haré con la mayor profesionalidad que me sea posible.

- Bien. Espero que pueda trasmitir mi entusiasmo a sus lectores... porque la causa lo merece. ¡La expedición imperial transantártica se propone cruzar por primera vez a pie el continente antártico.

En realidad, la inminencia de la Primera Guerra Mundial (estamos en Julio de 1914) le sirvió al gobierno británico como acicate a la hora de financiar un proyecto que habría de traer gestas y reconocimientos a mayor gloria del Imperio; el desarrollo del conflicto fue también la causa principal de que la expedición se situara tantas veces al borde del fracaso debido a las exigencias económicas de la guerra y su reflejo en las arcas reales.

Sería absurdo embarcarse ahora en una cronología argumental de Endurance (nos la regala el propio Luis Bustos). Lo realmente interesante no es el orden preciso en el que se desarrollan los acontecimientos del cómic (de la historia), sino la inteligencia con que Bustos construye el armazón de su relato y la pericia con la que distribuye el andamiaje de sus escenas sobre la página (en ocasiones de un modo verdaderamente osado e imaginativo). Arranca Endurance in media res, con imágenes de la expedición en marcha y el presagio tormentoso de tragedias por acaecer; sobre las imágenes, dentro de unas didascalias, el texto anacrónico de un anuncio en prensa que habría de pasar a la historia: "Se buscan hombres para viaje peligroso. Sueldo bajo, frío extremo, largos meses de completa oscuridad. Peligro constante. No se asegura retorno con vida. Honor y reconocimiento en caso de éxito (Anuncio publicado el London Times el 29 de diciembre de 1913)".

Tres o cuatro secuencias más tarde, un nuevo salto temporal, nos devuelve a Londres, un 1 de julio de 1914, el día de la mencionada entrevista con el reportero del Daily Chronicle. Salvando las distancias (de la ficción y el género, que no del tono épico), este jugueteo cronológico nos recuerda sobremanera a otra expedición mítica y al comienzo de otra aventura igualmente trágica: la de aquel doctor que intentó luchar, no ya contra los elementos, sino contra la misma condición humana y su naturaleza caduca; aquel Víctor Frankenstein que, como leíamos en las primeras páginas del libro, llega hasta el Ártico para destruir al monstruo, al hijo creado de la nada y convertido en bestia.

Bustos construye su historia a base de los impulsos de su personaje principal. Ernest Shackleton es un ser obstinado, una persona con tanta fe en sus ideales y convicciones, que es capaz de arrastrar a tripulaciones enteras hacia aventuras imposibles. En Endurance ("resistencia; fortaleza; entereza" en inglés) se observan los esfuerzos del líder por llevar a buen puerto su expedición, por contagiar a sus hombres de su fe infinita en la utopía y se habla de miedos, de dudas, de rabia, de reacciones humanas comprensibles en situaciones tan extremas como las que se describen en la obra. Su autor intenta contagiar al lector del sufrimiento de sus personajes, introducirle en la angustia de una aventura que, durante muchos momentos, no parece conducir a ningún buen puerto y que deja entrever los peores y los mejores rasgos de la naturaleza humana.

El dibujo de Endurance es una ayuda esencial para tales fines. El trazo duro, áspero y modulado de los contornos, las masas de negro y el tramado abundante de sus viñetas, traducen a imágenes con efectividad la inaccesibilidad de los accidentes geográficos; los violentos rayados se convierten en eficaces tormentas de viento, nieve y agua; y la sabia dosificación del mismo blanco de la página, nos hace viajar por las infinitas extensiones árticas de nieve y hielo. De similar manera, Bustos dota a sus personajes de rasgos endurecidos por obra y gracia de su pincel-rotulador. El único pero que le encontramos a su dibujo estriba en que, en ocasiones, el esquematismo fisonómico de sus creaciones no favorece la identificación inmediata de unos y otros: confundimos a Worsley y al Sr. Crean, o a McCarthy con el mismo Ernest. Problemas menores que se diluyen en el flujo imparable de la aventura, en el devenir de unos acontecimientos que progresan en un ejercicio de tensión creciente, planificada con eficacia en el guión de la obra.

También debemos incluir entre los méritos de Endurance la planificación de algunas de sus planchas: el autor juega con raccords osados y con impredecibles secuenciaciones de página que casi siempre funcionan a favor del ritmo de la historia y la creación de tensión.

Lo dicho, toda una aventura para unos tiempos en los que la valentía, el honor y la dignidad parecen lamentablemente pasados de moda. Habrá que conformarse con las buenas sensaciones que dejan las viejas historias de aventuras. A ver si cunde el ejemplo.